Социалистическое искусство

Соц-арт (социалистическое искусство) - одно из направлений постмодернистского искусства, сложившееся в СССР в 1960-1970-х гг., в рамках так называемой «Альтернативной культуры», противостоящей государственной идеологии того периода.

Соц-арт возник как пародия на официальное советское искусство и образы современной массовой культуры в целом, что нашло отражение в его ироничном наименовании, соединившем понятие соц-реализм с поп-артом. Создатели соц-арта прекрасно понимали пустоту, лживость и лицемерие официального искусства, стоявшего на службе тоталитарного режима. Используя и перерабатывая одиозные клише, символы и формы этого искусства и расхожие мотивы советской политической агитации, соц-арт развенчивал в игровой, зачастую эпатирующей форме их истинный смысл, пытаясь раскрепостить зрителя от идеологических стереотипов. Его объекты были, как правило, художественные коллажи, «цитирующие» советский официозно-государственный антураж по всем правилам поп-артовской эстетики, с использованием в структуре произведений реальных вещей и бытовых предметов. Ирония, гротеск, острая подмена, свободное цитирование любых приемов и стилей, использование разнообразных форм (от станковой живописи до пространственных композиций) стали основой броского, намеренно эклектичного художественного языка этого направления. Соц-арт отвергает веру во все, чего бы это ни касалось. Он стремится разрушить все культы, которые предлагаются человеку извне - политической, экономической, духовной и прочей властью; соц-арт не терпит ничего, что навязывает человеку неравноправное общение, опускает человека на колени и принуждает к подчинению. Для борьбы с культами соц-арт использует смех, лицедейство, мистификацию. Соц-артовцы предстают в гротескных и смешных ситуациях фигуры «начальников», политических вождей, духовных лидеров, выдающихся деятелей культуры и т.п. (а среди них оказываются не только большевистские вожди, но и Пушкин, Чайковский, Репин, Христос, Солженицын).

Изобретатели соц-арта хорошо ощущали пустоту, лживость, лицемерие и цинизм официозного советского искусства, стоявшего на службе тоталитарного режима. Свое отношение и к этому искусству, и к породившей его идеологии, они оригинально выразили, используя формы, символы, знаки, стереотипы этого искусства и политического пропагандистского инструментария.

Изобретателями соц-арта считаются московские художники Виталий Комар и Александр Меламид (цикл «Рождение соцреализма», «Сталин и музы», «Двойной портрет», «Крест и серп», «Демонстрация» 1972 год, «Дружба народов» 1974 год), вокруг которых во второй половине 1970-х гг. сложился круг молодых художников, разделявших их взгляды и убеждения. В разные годы к их объединению примыкали Александр Косолапов, Леонид Соков, Дмитрий Пригов, Борис Орлов, Эрик Булатов («Слава КПСС» 1975 год, «Улица Краскова» 1977 год), члены групп «Гнездо» и «Мухоморы». Соц-арт не был жестким стилевым направлением, он объединял весьма различных по своей манере авторов, не просто находящихся в «художественной оппозиции», но разрабатывающих в своем творчестве многослойные составляющие официальной идеологии и ее художественных догматов. К концу 1990-х гг. соц-арт практически перестал существовать, т.к. с изменением политической ситуации содержательная основа этого искусства стала не актуальной.

Мастера соц-арта: Виталий Комар, Александр Миламид, Эрик Булатов, Борис Турецкий, Александр Косолапов, Леонид Соков, Дмитрий Пригов, Борис Орлов, Ростислав Лебедев («Перестройка»), Григорий Брускин («Партнер» 1978 год).

Кинетическое искусство

Кинетическое искусство, Кинетизм -- направление в современном искусстве, обыгрывающее эффекты реального движения всего произведения или отдельных его составляющих. Кинетизм основывается на представлении о том, что с помощью света и движения можно создать произведение искусства. Объекты представляют собой движущиеся установки, производящие при перемещении интересные сочетания света и тени, иногда звучащие. Эти тщательно сконструированные устройства из металла, стекла или других материалов, соединённые с мигающими световыми устройствами, получили название «мобилей». Приемы кинетического искусства нашли широкое применение в организации шоу, выставок, оформлении парков и площадей.

Творческие поиски в данной области подготовили почву для расцвета кинетизма, который стал относительно цельным течением в искусстве начиная с 50-х годов. Среди «кинетических» экспериментов этого периода можно назвать «саморазрушающиеся композиции» Жана Тэнгели ("Слава Нью-Йорку" в Нью-Йорке, 1960 г.; "Этюды конца света" в Хемблбэке, Луизиана, и Лас-Вегасе, 1961-1962 гг.). От ранних беспредметно-геометрических композиций он перешел в 1954 г. к созданию картин и скульптур, которые называл "метамеханическими"; различные их части приводились в движение специальными моторчиками и тросами. Затем, к концу 1950-х гг., начал экспонировать "машины для живописи", - они изготовляли на глазах у зрителя беглые подобия абстрактно-экспрессионистских этюдов. Позднее сочетал в своих произведениях образный катастрофизм с монументальной стабильностью. В вещах Тэнгели росла роль цвета и игрового начала, рассчитанного на вовлечение зрителей в процесс управления арт-объектом. Среди его композиций - "Похвала глупости", рельеф, созданный для балета Р. Пети, 1966 г.; фонтаны "Карнавальный" - 1977 г., в центре Базеля.

Сюда же можно отнести композиции французского художника венесуэльского происхождения Хесус Рафаэля Сото, яркого представителя кинетического искусства. Сото интересовался оптическими эффектами. В его работах такие эффекты получаются путем наложения одного слоя на другой. Например, два рисунка на органическом стекле с промежутком между ними. Кажется, что они сливаются в новом пространстве. В 1955 Сото участвовал в выставке «Движение», которая проходила в галерее Д. Рене в Париже и которая отметила собой рождение кинетического искусства. С 1957 Сото использует металлические стержни, подвешенные на нейлоновых нитках и расположенные на фоне основы, изборожденной черными и белыми линиями. Перемещение зрителя и нестабильность конструкции создают оптические вибрации, влекущие за собой дематериализацию форм. С 1967 Сото все больше увлекается проблемой пространства и переходит от картин с помещенными перед ними рельефными элементами к инсталляциям стержней, расположенных вертикально перед стеной. Известны такие произведения, как La Boite(«Коробка»), 1967; Vibrations mйtalliques («Металлические вибрации»), 1969; Petite Vibration Brique et Noire, 1966.

Продолжает эксперименты Николя Шеффер (1912-1992) - французский художник венгерского происхождения, видный представитель кинетического искусства, один из родоначальников кибернетического искусства (1954) и видеоарта (1961). Он начал с новаторской живописи и уникальных пространственно-динамических скульптур, а затем пришёл к идее создания интерактивного кибернетического города-зрелища, «кинетического города» или «кинетических башен». Шеффер предложил разделить город по оси координат: жилые зоны линейно расположить по горизонтали, а все деловые, торговые и производственные учреждения разместить в гигантских небоскрёбах высотой до 1500 м.

Гюнтер Юккер - немецкий скульптор, мастер инсталляций и художник (родился в Западной Германии в 1930) начал использовать гвозди в своем искусстве, кроме этого, Юккер занялся изучением света, оптики, колебаний, которые позволяли ему влиять на визуальный процесс.

В начале 60-х он начал забивать гвозди в предметы мебели, музыкальные инструменты, и бытовые объекты, затем начал комбинировать гвозди с темой света, создавая легкие гвозди и кинетические гвозди. Так же он использовал природные материалы, такие как песок и вода.

Ярким примером русского кинетического искусства явился всемирно известный проект Владимира Татлина (1885-1953) - «Памятник III Интернационала» (1919-1920).

Концептуальное искусство

Концептуализм - течение в авангардистском искусстве 1960--90-х гг., поставившее целью переход от создания художественных произведений к воспроизводству «художественных идей» (так называемых концептов), которые инспирируются в сознании зрителя с помощью надписей, графиков, диаграмм, схем и т. п. Творчество осмысляется здесь как близкий по духу хэппенингу и перформансу, но, в отличие от них, зафиксированный в стабильной экспозиции процесс вовлечения зрителя в игру подобных концептов. Последние могут быть представлены фрагментами текстовой и изобразительной информации, в виде графиков, диаграмм, цифр, формул и др. визуально-логических структур либо (в более индивидуализированных вариантах концептуального искусства) в виде надписей и схем, декларативно повествующих о намерениях художника.

Само название «концептуальное искусство» появилось в 1967 (первым его применил американский художник С. Левит), годом же раньше его соотечественник Дж. Косут выставил этапную серию «Искусство как идея», представляющую собой ряд кратких словарных дефиниций, показанных в виде таблиц с увеличенными текстовыми фотокопиями. В 1969 Косут опубликовал программную статью «Искусство после философии», где доказывал, что важнее всего сам процесс арт-коммуникации, а не ее результат. Вскоре движение обрело интернациональный характер, вовлекая в свой круг (чуть раньше возникший) немецкий «флюксус», английскую группу «Искусство и язык», итальянское «бедное искусство», аргентинскую «группу Розарио» и другие радикальные течения.

В концептуальном искусстве 1970-х весьма резко проступили социально-протестные тенденции, обновившие методы фотоплаката и фотомонтажа, но затем в нем, как правило, доминировала либо отрешенная философская созерцательность, либо язвительная самоирония (типичная для стилистики т.н. «нео-гео» 1980--1990-х гг.). В число видных концептуалистов вошли (помимо вышеназванных) Х. Хааке, Б. Крюгер, Дж. Хольцер в США, Д. Бюрен во Франции, М. Мерц в Италии. К концу 20 в. приемы концептуального искусства -- с его парадоксальной зрительной информатикой -- были подхвачены коммерческой рекламой и прочно вошли в масс-медиальную культуру. Хааке начинал с критики медиа, заставляя зрителя усомниться в объективности информации. В 1969 году он сделал инсталляцию «Новости»: из телекса выходят неимоверно длинные рулоны бумаги с новостями в реальном времени от немецкого агентства DPA. Хааке буквально материализовал метафору «информационный мусор» - потоки информации постепенно превращаются в груду макулатуры, из которой уже невозможно извлечь внятное сообщение. В 1971 году Хааке сделал работу на основании компромата на некоего Шапольского, владельца недвижимости на Манхэттене, бывшего деловым партнером членов попечительского совета Музея Гуггенхайма. Выставку отменили за шесть недель до открытия, а сам художник пятнадцать лет не выставлялся в США. С тех пор связь корпораций и музеев - любимая мишень Хааке. Даниель Бюрен с конца 1960-х годов рисовал полосы равной ширины, чередуя два цвета, тем самым отказываясь от традиций.

В 1970-е, в сфере «неофициального искусства», настоящим мастер-классом отечественного концептуализма пребывала мастерская И. И. Кабакова, создававшего огромные визуально-графические серии, где бытовые реалии (большой коммунальной квартиры), несмотря на все свои дотошные подробности, очерчивали отсутствие и самих героев и скрепляющего их сюжета. В русле «московского концептуализма», признанным лидером которого был Кабаков, работали также супруги Р. А. и В. М. Герловины, группа «Коллективные действия» (под руководством А. В. Монастырского), поэты Д. А. Пригов и Л. С. Рубинштейн, а чуть позднее, уже на рубеже перестройки - группы «Медицинская герменевтика» (С. А. Ануфриев, Ю. А. Лейдерман, П. В. Пепперштейн) и «ТОТарт» (Н. Б. Абалакова и А. И. Жигалов). После снятия всех запретов на арт-авангард понятие «концептуальное искусство» стало в России весьма расплывчатым, превратившись почти что в синоним постмодернизма и охватив многие художественные явления не только в изобразительном искусстве, но также в литературе и театре.

Оптическое искусство (оп-арт)

Оптическое искусство (оп-арт) - художественное течение второй половины 20 века, использующее различные оптические иллюзии, основанные на особенностях восприятия плоских и пространственных фигур.

Направление оп-арта (оптического искусства) зародилось в 50-е годы внутри абстракционизма, точнее, его разновидности - геометрической абстракции. Его распространение как течения относится к 60-м гг. 20 в. Всемирную известность оп-арт получил в 1965 году после Нью-Йоркской выставки «Чувствительный глаз» в музее современного искусства. На выставке «Арте-Фиера-77», проходившей в 1977 году в Болонье, в изобилии демонстрировались произведения художников этого направления - Виктора Вазарели, Еннио Финци и других. Художники оп-арта нередко объединяются и выступают инкогнито: группа Н. (Падуя), группа Т. (Милан), группа Зеро (Дюссельдорф), группа поисков визуального искусства, возглавляемая Виктором Вазарели, которая дала первоначальный толчок движению оп-арта.

Оптическое искусство - искусство зрительных иллюзий, опирающееся на особенности визуального восприятия плоских и пространственных фигур. Оптическая иллюзия изначально присутствует в нашем зрительном восприятии: изображение существует не только на холсте, но в действительности и в глазах, и в мозге зрителя. Обратимся, например, к картине Бриджит Райли «Поток» (1964). Всю ее поверхность покрывают тонкие волнообразные линии. К середине изгибы становятся более крутыми, и здесь возникает видимость отделяющегося от плоскости зыбкого течения. В её работе «Катаракта-III», 1967 создаётся эффект движения волн. В другой черно-белой композиции Райли - «Прямая кривизна» (1963) - сдвинутые по центру и пересеченные ломаными линиями круги создают эффект объемной извивающейся спирали. В «Фрагменте № 6/9» (1965) той же художницы разбросанные по плоскости черные диски порождают скачку последовательных образов, мгновенно исчезающих и возникающих вновь. Так, в картине Виктора Вазарели «Тау-дзета» (1964) квадраты и ромбы непрерывно перестраиваются по схеме греческих букв, но так и не объединяются в определенную конфигурацию. В другой работе Вазарели - «Сверхновые» (1959-1961) две одинаковые контрастные формы создают ощущение перемещающейся вспышки, покрывающая поверхность сетка через некоторое время отделяется и зависает, а вписанные в квадраты круги исчезают и снова появляются в различных точках. Плоскость непрерывно пульсирует, то разрешаясь в мгновенную иллюзию, то снова смыкаясь в непрерывную структуру. Название картины отсылает к представлению о взрывах космической энергии и зарождению сверхновых звезд. Непрерывно колеблющиеся поверхности «сверхсенсорных» картин заводят восприятие в тупик, вызывают зрительный шок.

«Группа исследований визуального искусства» (объединение художников оптического и кинетического искусства) писала в своем манифесте «Довольно мистификаций» (1961): «Больше не должно быть произведений исключительно для: культурного глаза, чувствительного глаза, интеллектуального глаза, эстетского глаза, любительского глаза. Человеческий глаз является нашей исходной точкой».

Оп-арт постепенно приобретает интернациональный характер, в разных странах образуются целые группы художников: в Италии (Альвиани Де Векки, Коломбо Мари), Испании (Дуарте Ибаррола), Германии (Хаккер Мак Гравениц), Швейцарии (Тальман Герстнер), СССР (Вячеслав Колейчук). Отметим, что в Соединенных Штатах кризис абстракции порождает хард-эдж и минимализм, которые были вызваны теми же эстетическими потребностями.

Возможности оп-арта нашли некоторое применение в промышленной графике, плакате, оформительском искусстве.

Популярное искусство (поп-арт)

Поп-амрт (популярное искусство) - направление в изобразительном искусстве 1950-1960-х годов, возникшее как реакция на абстрактный экспрессионизм, использующее образы продуктов потребления. Поп-амрт основой своей эстетики взял образы заимствованные в массовой культуре и помещённые в иной контекст. Язык этого направления был парадоксален и неясен. Скрытая насмешка, лёгкая ирония над всем тем, что люди привыкли считать красотой, художественным творчеством, духовностью - это поп-амрт. Своими целями представители поп-арта провозгласили "возвращение к реальности", раскрытие эстетической ценности образцов массовой продукции. Они буквально воспроизводят типичные предметы современного урбанизированного быта (вещи домашнего обихода, упаковка товаров, детали машин и т. д.), широко пользуются привычным языком средств информации (штампованные приёмы рекламы, прессы, телевидения, кино, документальной фотографии, комиксов и т. д.). Международную известность американскому поп-арту принесли такие художники как Роберт Раушенберг, Рой Лихтенштейн, Джаспер Джонс, Джеймс Розенквист, Том Вессельман, Клас Олденбург, Энди Уорхол, в Великобритании П. Блейк, Р. Хамилтон, во Франции А. Фернандес; Н. де Сен-Фаль, в Германии П. Вундерлих.

В 1963 году в Нью-Йорке прошла выставка известного поп-арт художника Роберта Раушенберга. Первое что видели зрители при входе в зал, это совершенно белое полотно - “Белая картина”. Рядом находилась “Шарлин” - картина из помятых обрывков газет, осколков зеркал, обрывков рубашки, кусочков дерева и ткани, почтовой открытки, постоянно мигающей электролампы и расплющенного зонта. Так же здесь было выставлено известное произведение Раушенберга “Кровать”, представляющее собой одеяло, натянутое на подрамник и забрызганное краской.

В работах поп-арт художников того времени сквозит гордость за американские товары - доступные и дешевые. Он говорил о том, что поп-арт поменял местами внутреннее и внешнее. Представители это направления создавали образы узнаваемые всеми: шторы для ванной, бутылки колы, мужские штаны, столы для пикника, комиксы - всё то, что абстрактные экспрессионисты "не видели".

Клас Олденбург, тоже художник из Америки, создавал из разных материалов батоны, сосиски, помидоры, гамбургеры. Есть даже созданный им монумент в виде огромной разрезанной котлеты. Мир упаковок и муляжей, штампованных образов и манекенов. В поп-арте становится равным красивое и тривиальное, живое и синтетическое, высокое и низкое.

Минимализм

Минимализм - направление в живописи и скульптуре, распространившееся в 1960-1970-е годы преимущественно в США. Как явствует уже из названия, искусство минимализма сведено к своей основной сущности; оно чисто абстрактно, объективно и анонимно, лишено внешней декоративности или экспрессивного жеста. Живопись и графика минимализма монохромны и часто воспроизводят математически правильные решетки и линейные структуры. Скульпторы-минималисты используют промышленные процессы и материалы, такие как сталь, пенопласт или флюоресцентные трубки, для создания геометрических форм, часто - большими сериями. Подобная скульптура не прибегает ни к каким иллюзионистическим приемам, зато рассчитана на тактильное восприятие зрителем. Минимализм можно рассматривать как реакцию на эмоциональность абстрактного экспрессионизма, господствовавшего в искусстве на протяжении 1950-х годов. Наиболее известны такие минималисты, как Андре, Джадд, Келли, Ле Витт, Мэнголд, Райман, Серра, Стелла, Флавин.

Дэн Флавин - американский художник-минималист, известен скульптурными объектами и инсталляциями, созданными из флуоресцентных ламп. Впервые Флавин придумал использовать электрический свет как художественную форму в 1961. Его первая персональная выставка также прошла в 1961 в Галерее Джадсон в Нью-Йорке. Первыми работами с включением электрического света была серия «иконы»: восемь цветных квадратных форм, флуоресцентные лампы с лампами накаливания, закрепленные по сторонам. Одна из этих «икон» была посвящена брату-близнецу Флавина, Давиду, умершему от полиомиелита в 1962. Большинство работ Флавина были без названия, часто при этом посвящены друзьям, художникам, критикам: наиболее известные произведения включают «Монументы В. Татлину», над которыми он работал в период между 1964 и 1990. Последней работой Флавина было site-specific произведение в церкви S. Maria Annunciata in Chiesa Rossa в Милане, Италия.

Карл Андре - американский художник, представитель минимализма. Характерные черты скульптуры Андре - использование промышленных материалов, модульных единиц, артикуляция трехмерности посредством рассмотрения негативного и позитивного пространства. Андре стремился свести словарь скульптуры к базовым фонемам, таким как квадраты, кубы, линии и диаграммы. В 1960 Андре сделал наброски серии скульптур, которую он назвал «Элементы». Он предложил делать эти скульптуры из стандартных блоков дерева 12 x 12 x 36" (30.2 x 30.2 x 90.7 см). Важность «Элементов» даже в виде набросков заключается в решении использовать модульные единицы в регулярных повторяющихся композициях, принцип, который стал фундаментальным для его более поздних работ. В 1966 Карл Андре революционизировал скульптуру новаторскими работами (такими как «37 Pieces of Work», впервые была выставлена в Музее Гуггенхайма в 1970), которые лежали плоско на земле вместо того, чтобы подыматься вверх в окружающем пространстве. Андре приглашал зрителей прогуляться по скульптуре, так они могли получить на сенсорном уровне ощущения от различных материалов (таких как сталь и алюминий) и различия между стоянием в центре скульптуры и нахождением за пределами её границ. В 1970-х художник готовит ряд масштабных инсталляций, таких как "Блоки и Камни" в 1973 для Портлендского центра визуального искусства, а также работы для публичных пространств, как "Поле каменных скульптур" в 1977 в Хартфорде.

Дональд Джадд - американский скульптор и искусствовед, один из выдающихся представителей минимализма. Как художник он поначалу (в конце 1940-50-х) работал как живописец. В начале 1960-х Джадд начал добавлять трехмерные элементы на поверхность своих работ, сначала создавая рельефы, а затем перейдя к полностью автономным структурам, которые он называл «конкретными объектами». В 1963 он сформулировал основной «словарь» форм - «стопки», «коробки» и «прогрессии», с которыми работал последующие тридцать лет. Первоначально Джадд работал в дереве, промышленно изготовленные металлические ящики появились в конце 1960-х. В начале 1970-х его работы приняли форму инсталляций, Джадд начал выставлять работы на открытом пространстве. Используя промышленные материалы для создания абстрактных произведений, которые подчеркивают чистоту цвета, формы, пространства и материалы, Джадд описывал собственную работу как «простое выражение сложной мысли».

Ричард Серра начинает свою творческую карьеру как скульптор-минималист. В конце 1960-х годов он начинает работать с металлом. В это время он знакомится с такими мастерами минимализма, как Роберт Смитсон, Дональд Джадд, Карл Андре. К этому творческому периоду относятся его серия работ с резиной и неоновыми лампами. В 1966 году состоялась первая персональная выставка Серры в Риме, в 1968 году - выставка в Кёльне. В 1977 году он участвует в выставке современного искусства документа 6 в Касселе.

Нонконформизм

Нонконформимзм (от лат. non - «не» и поздне лат. conformis - «подобный», «сообразный») - стремление индивида придерживаться и отстаивать установки, мнения, результаты восприятия, поведение и так далее, прямо противоречащие тем, которые господствуют в данном обществе или группе.

Нонконформизм в искусстве - особенное свойство художественного творчества, выраженное в новаторстве творческого мышления в художественных образах. Нонконформизм предполагает отвлечение от условий обыденной, материальной действительности. Напротив, социалистическому реализму, академизму, натурализму, различным формам салонного и массового искусства свойственен конформизм - приспособление под сложившиеся вкусы, общественные мнения и сложившиеся установления, выполнение "социального заказа". Нонконформисты ведут себя неадекватно общественным правилам, поскольку отвергают не только собственное благополучие, но и нарушают покой и конформизм других людей. Нонконформизм вызывают неприятие, раздражение обывателей, властителей, заказчиков. В отличие от официального, нонконформистское искусство оказывает предпочтение не содержанию, а в большей степени художественной форме, в создании которой художники были совершенно самостоятельны и свободны.

Искусство нонконформизма - экзистенциалистское по своей сути, так как утверждает абсолютную уникальность отдельного индивидуума. Идеалистическая эстетика нонконформистов основывается на представлении о внутреннем "Я" художника как источнике прекрасного. В таком представлении содержался бунтарский протест нонконформистов против объективизированного мира, преодоление пропасти между объективностью и субъективностью, что привело в творчестве к выражению проблемы бытия в тревожных и необычных формах.

Нонконформизм, как искусство экзистенциалистское, основан на разговоре художника со своей душой, и картина может возникать не только из сильных однозначных чувств, но и из совокупности впечатлений, упоминаний, внутренней необходимости увековечить бессловесную красоту.

Известные художники-нонконформисты: Дмитрий Плавинский («Ракушка», 1978), Оскар Рабин («Натюрморт с рыбой и газетой «Правда»»,1968); Лев Кропивницкий («Женщина и жуки», 1966); Дмитрий Краснопевцев («Трубы», 1963); Владимир Немухин («Незаконченный пасьянс», 1966); Анатолий Зверев(«Женский портрет», 1966); Лидия Мастеркова («Композиция», 1967); Владимир Яковлев («Кошка с птицей, 1981); Эрнст Неизвестный («Сердце Христа», 1973-1975); Эдуард Штейнберг («Композиция с рыбой», 1967); Михаил Рогинский («Красная дверь», 1965); Олег Целков («Голгофа», 1977); Юло Соостер («Красное яйцо», 1964).

Основные направления живописи 20 века

Модернизм в живописи начинают рассматривать с творчества Гюстава Курбе и Эдуарда Мане. Характерными чертами модернистских направлений являются:

· отказ от устаревших образцов с точки зрения сюжета и стиля;

· стремление ликвидировать разрыв между архитектурой, живописью, скульптурой и их функционированием и применением в различных областях жизни;

· поиск декоративной функциональности;

· тенденция к созданию международного стиля;

· попытка выявить духовное в промышленной эпохе.

Для модернистских течений характерно смешение материалистических и духовных устремлений, научно-технических терминов, достижений и аллерго-поэтических мотивов. Но после осознания в 1910-е гг. глобальных изменений, произошедших в науке, внутри модернизма возникают авангардные течения, полностью изменившие приемы и методы искусства.

Фовизм (от франц. fauve - дикий), течение во французской живописи, существовавшее в 1905-07. Фовистов (А. Матисс, А. Марке, Ж. Руо, А. Дерен, Р. Дюфи, М. Вламинк) на время объединило общее стремление к эмоциональной силе художественного выражения, к стихийной динамике письма, интенсивности открытого цвета и остроте ритма. В пейзажах, интерьерных сценах, натюрмортах фовизм выразил себя в резком обобщении объемов, пространства, рисунка.

Главное для фовистов – подчеркнуть самостоятельность, самодостаточность произведения искусства. Они переосмыслили сам подход художника к акту творчества. Огромное значения имели открытия в области цвета. Характерные особенности – обнаженность приемов письма, нарочитая грубость техники и материала; попытка вернуть живописи первозданную силу и преодолеть изысканный эстетизм конца 19 века; использование ярких, глубоких цветов; упрощение линий, подчеркивание свежести и спонтанности исполнения.

КУБИЗМ (франц. cubisme, от cube - куб), направление в искусстве 1-й четверти 20 в., представители которого стремились свести изображение к комбинации простых геометрических тел, призванных выразить «первичную структуру» мира, перестроив традиционные способы восприятия пространства. Это авангардистское движение произвело революционный переворот в европейской живописи и скульптуре в начале 20 столетия.

Художники издавна привыкли изучать и пропорционировать объекты своего изображения (в особенности фигуру человека), выравнивая их поверхности в рисунке или эскизе в виде гладких плоскостей и тем самым придавая объемам подобие геометрических тел. Однако лишь в начале 20 в. этот расхожий прием стал сознательно конструируемым методом. Великим предшественником кубизма был П. Сезанн, в своем зрелом творчестве стереометрически упрощавший формы таким образом, что их грани намечали совершенно новую пространственную систему, в пределах которой изображение уже не пассивно предстояло зрителю, а как бы «выдвигалось» ему навстречу. («Авиньонские девицы», «Скрипка и кувшин»).

Начинания Сезанна продолжили П. Пикассо и Ж. Брак, с творчества которых кубизм берет свое прямое начало. Этапную роль сыграли картины «Авиньонские девицы» Пикассо (1907) и «Дома в Эстаке» Брака (1908), именно по отношению к такого рода браковским пейзажам критик Л. Восель и употребил в том же, 1908-м, слова «геометрические схемы и кубы», - слова, из которых, собственно, и народилось название течения. Первая групповая экспозиция кубистов (с участием Ф. Леже, Р. Делоне, А. Лефоконье, Ж. Метценже и А. Глеза) состоялась в 1911 в отдельном помещении парижского «Салона независимых». («Круглые формы, солнце, башня.

Три этапа

Первоначально сосредоточенное во Франции, развитие кубизма в 1910-е гг. охватило многие страны Европы. Важную роль в его пропаганде сыграла книжка-манифест Глеза и Метценже «О кубизме» (1912). Эволюция направления четко делится на три этапа (впервые обозначенные в 1930-е гг. американским искусствоведом А. Барром). Для 1-й стадии («аналитического кубизма») характерен сдержанный, даже суровый колорит, основанный на коричневато-охристых, зеленых и синих тонах. Человек и природа здесь действительно геометризуются с подчеркиванием массивной весомости их «выпирающих» на зрителя форм. Значение традиционного сюжета сводится к минимуму, и ведущим жанром становится натюрморт (со сравнительно простыми постановками, воспроизводящими рабочую атмосферу мастерской). Нередко при исследовании данного периода специально выделяется предварительная, «сезаннисткая» (т. е. подражательная по отношению к Сезанну) его глава, собственно же «аналитическим» кубизм предстает в гг., когда после первых своих, более монументальных, опытов, художники начали дробить изображение на все более мелкие грани.

«Женщина в кресле»

В гг. наступает фаза «синтетического кубизма», причем и здесь Пикассо и Брак лидируют. Иллюзорная объемность сходит на нет, образы распластываются и частично заменяются реальными, наклеенными на холст материалами и предметами (так нарождается новая техника «коллажа »). Возрастает значение надписей и текстов, порою символических (так, Пикассо, используя газетные наклейки, специально подбирает заголовки о катастрофах и социальных волнениях, вероятно, подчеркивая тем самым «революционное» значение нового художественного метода). Благодаря коллажам картина отчасти превращается в рельеф, и поэтому кубизм (в творчестве А. Лорана, Р. Дюшан-Вийона, О. Цадкина, Ж. Липшица и др.) вскоре охватывает и скульптуру.

«Мужчина в кафе»

Во 2-й половине 1910-х гг. наступает период «декоративного кубизма», названного так из-за возросшей пастозности и яркости его красок. Но в эти годы кубизм по сути уже разлагается, порою неразличимо сливаясь с другими течениями (в первую очередь, с футуризмом). Ряд былых кубистов еще раньше вырабатывает свои собственные методы («орфизм » Делоне, «тубизм» Леже и т. д.). В целом же начальный импульс кубизма оказывается исключительно мощным, подчиняя своему влиянию многие виды искусства, в том числе архитектуру и дизайн (в Чехии в это десятилетие складывается даже особое направление сугубо архитектурного кубизма).

Кубизм в России

Его предчувствия часто находят в живописи с его «кристаллической» манерой письма. Но подлинным его первооткрывателем явился здесь предприниматель и коллекционер, привезший в Москву ранние кубистские опыты Пикассо. В целом же русский кубизм был сугубо переходным явлением, своего рода «школой авангарда» (порою и непосредственно школой, поскольку ряд крупных российских авангардистов, - , - учились в гг. в парижской Академии «Ла Палетт» у Лефоконье и Метценже).

«Англичанин в Москве»

Большинство мастеров, составивших ядро «Бубнового валета » (в т. ч. ,), не пошло дальше раннего, «сезаннистского» этапа, самобытно и красочно его обогатив. Художники же настроенные более радикально (, и др.) быстро перешли к кубофутуризму, честолюбиво выдвигая его в противовес кубизму в качестве более передового и уже свободного от французских влияний метода. «Матрос (Автопортрет)». Однако и позднее, в свой витебский период () Малевич утверждал: «Если ты стремишься изучать искусство, то изучай кубизм». (Портрет Пикассо работы Гриса).

ОРФИЗМ (франц. orphisme, от Orphee - Орфей), течение в западноевропейской живописи 1910-х годов, близкое к кубизму и футуризму. Создателем и теоретиком направления был французский художник Р. Делоне. Название дал в 1912 Аполлинер. Орфисты (Ф. Купка, Ф. Пикабия, М. Дюшан) стремились выразить динамику и музыкальность ритма пересечением плоскостей, окрашенных в чистые, яркие тона.

Футуризм (от лат. futurum - будущее), авангардистское направление в европейском искусстве 1910 - 20-х гг., преимущественно в Италии и России. Стремясь создать «искусство будущего», декларировал (в манифестах и художественной практике итальянского поэта, российских кубофутуристов из «Гилеи», участников «Ассоциации эгофутуристов», «Мезонина поэзии», «Центрифуги») отрицание традиционной культуры (наследия «прошлого»), культивировал эстетику урбанизма и машинной индустрии. Для живописи (в Италии - У. Боччони, Дж. Северини) характерны сдвиги, наплывы форм, многократные повторения мотивов, как бы суммирующих впечатления, полученные в процессе стремительного движения. Для литературы - переплетение документального материала и фантастики, в поэзии (, И. Северянин) - языковое экспериментирование («слова на свободе» или «заумь»).

Главными представителями футуризма являются Балла, Боччони, Кара. Балла от поисков в области вибрации светы приходит к синтетическому изображению движения, космических динамических ритмов. Футуризм прекратил существование в 20-е годы, но его идеалы остаются значительными компонентами современной западной культуры: акцент на молодость, скорость, власть и технологию.

ЭКСПРЕССИОНИЗМ (от лат. expressio - выражение), направление в литературе и искусстве 1-й четв. 20 в., провозгласившее единственной реальностью субъективный духовный мир человека, а его выражение - главной целью искусства. Стремление к «экспрессии», обостренному самовыражению, напряженности эмоций, гротескной изломанности, иррациональности образов, наиболее ярко проявилось в культуре Германии и Австрии (писатели Г. Кайзер, В. Газенклевер в Германии, Ф. Верфель в Австрии, художники Э. Нольде, Ф. Марк, П. Клее в Германии, О. Кокошка в Австрии, австрийские композиторы А. Шенберг, А. Берг, немецкие кинорежиссеры, Р. Вине, П. Лени). В рамках экспрессионизма возникли ранние образцы абстрактного искусства (); у ряда художников, прежде всего немецких, экспрессионизм получил яркую антивоенную и антиимпериалистическую окраску (Э. Барлах, Ж. Грос, О. Дикс).

Экспрессионизм предрасположен ко всему зыбкому, неустойчивому, неуравновешенному, как в воплощении образа, так и с точки зрения формы. Экспрессионисты то допускают нарочитую грубость, то пытаются оперировать столь утонченными нюансами переживаний, что они уже теряют всякий реальный смысл. Линии извиваются, пульсируют, пространство расплывается, цвет дребезжит диссонансами, загорается неверными вспышками и гаснет в тяжелой тьме. Духовным вдохновителем экспрессионистов был Ф. Ницше.

МИНИМАЛИЗМ (минимальное искусство), направление, сложившееся в западном изобразительном искусстве 1960-х гг.; поставило своей целью создание лишь «простейших структур», являющихся первоосновой творчества. Сформировалось в первую очередь в скульптуре. Мастера минимализма (напр., американские художники К. Андре, Д. Джадд, С. Льюит, Р. Моррис, Д. Флейвин), сближаясь с методами геометрической абстракции , выставляли «голые» и аскетичные , художественно не обработанные (обычно просто заказанные с фабрики) рамы, трубки, плитки, кубы и т. д., предлагая зрителю «начать сначала», с всеобщих законов формы и композиции. Получило значительное распространение в музыкальных формах. Ведущими композиторами данного направления принято считать Ламонте Янга, Терри Райли, Стива Райха (Рейча), Джона Кейджа, Филиппа Гласса и др.; в рок-музыке к минимализму можно отнести некоторые работы Роберта Фриппа, группу CAN и др.

Это абсолютно абстрактное движение, представители которого стремились выявить в живописи и скульптуре сущностные элементы, используя геометрические формы в разных сочетаниях. Происхождение минимального искусства рассматривается пересмотра законов психологии восприятия, когда произведение искусства рассматривается как сфера, в которой действуют определенные научные законы: сочетание светлых и темных цветовых зон, взаимосвязь вертикалей, горизонталей, диагоналей. В работе минималистов художественный продукт идентифицируется со структурой, а сам принцип воспроизведения уходит на второй план. То есть сама становится активной.

Минимализм – реакция против доминирования абстрактного экспрессионизма. Минимальное искусство оказало огромное влияние на другие сферы творчества: дизайн, архитектуру, музыку.

Неоэкспрессионизм («Новые дикие»). Направление сформировалось в середине 1970-х гг. и развивалось в 1980-е гг. Его представители создавали фигуральные работы, в которых обнаруживалась формальная близость с произведениями немецких экспрессионистов. Неоэкспрессионизм – не однородное коллективное движение, а группа индивидуальных творцов с собственными эстетическими установками, черпающих вдохновение у художников прошлого.

К характерным особенностям неоэкспрессинизма можно отнести:

· возврат к фигуративно-экспрессивным образам

· тенденцию к слиянию или комбинации элементов предыдущих направлений

· наложение фигуративных и абстрактных элементов, обычно на основе из пятен или полос цвета изображаются контрастирующие с фоном фигуры

· фигуративность на основе схематичных форм эмоционального и экспрессивного характера

· драматические, сатирические, военные сюжеты с доминированием человеческой фигуры

· сочетание масляной техники с другими техниками: АКРИЛИК, ПРОМЫШЛЕННЫЕ КРАСКИ, АКВАРЕЛЬ.

Представители – Георг Базелиц, Ансельм Кифер, Маркус Люперц, Йорг Иммендорф, М. Барсело, Жерар Гаруст.

«Чистое» искусство, провозглашающее ценности, не зависящие от общественных и исторических проблем и веяний, - прекрасное, но нереальное явление.

Невозможно творить в отрыве от повседневности, не обращая внимание на господствующие в обществе идеи - формальные и неформальные. Искусство России 20 века подверглось влиянию мощных изменений общественного строя, неведомых никакой другой стране.

Начало века, поиск новых идей

100 лет XX века для всей цивилизации были эпохой невиданных потрясений. Уже к концу XX столетия научно-технический прогресс сжал время и пространство для всей планеты, общественные конфликты в ограниченном регионе перерастали быть потрясениями планетного масштаба. Культура и искусство России 20 века, как и вся общественная деятельность Европы и Америки, имеет временную привязанность к самым важным событиям новейшей истории.

Магия цифр, обозначающих начало отсчета нового века, всегда порождает ожидание перемен, надежду на наступление нового, счастливого времени. Девятнадцатый век, создавший всемирную славу русской культуре, уходил в прошлое, оставляя традиции, которые не могли исчезнуть в одночасье.

«Мир искусства» - так называлось объединение художников, возникшее в 1898 году и просуществовавшее с перерывами до 1924 года, без которого нельзя представить изобразительное искусство в первой четверти 20 века в России. У «мирискусстников» не было одного, общего выработанного стиля - живописцы, графики, скульпторы шли каждый своим путём, имея согласие во взглядах на цели искусства и роли его в обществе. Многие черты этого взгляда выразил гений Михаила Врубеля. Формальным ядром, основой объединения были Л. С. Бакст, М. В. Добужинский, Е. Е. Лансере, А. П. Остроумова-Лебедева, К. А. Сомов. В разное время в нем принимали участие Я. Билибин, А. Я. Головин, И. Э. Грабарь, К. А. Коровин, Б. М. Кустодиев, Н. К. Рерих, В. А. Серов и другие мастера.

Все они признавали главенство профессионализма в искусстве, огромную роль творческой свободы и независимости художника от общественных догматов, не отрицая при этом ценности искусства в жизни человека, протестуя против косности академизма с одной стороны и излишней политизации живописи у передвижников - с другой. Критикуемый сторонниками традиций «Мир искусства» не мог вписаться и в бурный процесс рождения «пролетарской» живописи, но оказал огромное влияние на всё изобразительное искусство 20-века в России - и на тех, кто работал в СССР, и на тех, кто оказался в эмиграции.

Модерн

Последние десятилетия девятнадцатого века стали периодом зарождения нового стиля, который оставил след в творчестве мастеров изобразительного искусства и архитектуры. Он имел свои особенности в отдельных регионах Европы, где он даже назывался по-разному. В Бельгии и Франции закрепилось наименование «ар нуво», в Германии - «югендстиль», в Австрии - «сецессион». Известны другие названия, связанные с наиболее известными художниками этого стиля или фирмами, производившими подобного направления мебель, ювелирные украшения и другие изделия: стиль муша, стиль Гимар - во Франции, либерти в Италии, в США - стиль тиффани и т. д. Искусство России 20 века, архитектура в особенности, знают его как стиль модерн.

Модерн стал после долгого периода стилевого безвременья одним из самых выразительных и визуально оформившихся художественных течений. Свойственный ему растительный, плавный характер линий насыщенного декора в сочетании с геометрически простыми и выразительными формами больших объемов привлекали свежестью и новизной художников и архитекторов.

Фёдор Осипович Шехтель (1859-1926) - звезда русского архитектурного модерна. Его талант придал национальные черты космополитическому по сути стилю, шедевры Шехтеля - Ярославский вокзал, особняк Рябушинского - это творения именно русского зодчего, и в общем, и в мелочах.

Дореволюционный авангард

Процесс поиска новых форм искусства, и больше - его новой сути - был актуален для искусства всей Европы и Америки. Искусство России 20 века содержит несколько по-настоящему революционных периодов, когда творчество нескольких реформаторов указывало новые направления развития художественной мысли. Одним из самых ярких и впечатляющих стало межреволюционное время с 1905 по 1917 год. Особенности авангардного искусства в России были вызваны кризисом общественной жизни России после трагедий русско-японской войны и революции 1905 года.

Возникшие в это время многочисленные авангардные течения и творческие объединения имели сходные порождающие причины и похожие цели художественного поиска. Оказавшие мощное влияние на основные виды искусства 20 века в России футуристы и кубофутуристы, «Бубновый валет» и «Голубая роза», Кандинский и супрематизм Малевича разными способами искали новые миры, выражали кризис старого искусства, потерявшего связь с реальностью, предваряли наступление эпохи глобальных потрясений.

Среди новых идей, рожденных авангардистами, была мысль о России 20 века содержит такие страницы, как знаменитый спектакль - манифест нового искусства «Победа над солнцем» (1913). Он был результатом общего творчества поэтов-футуристов М. Матюшина, В. Хлебникова, а художественное оформление выполнил Казимир Малевич.

Обогатившие своими исканиями искусство России 20 века художники П. Кончаловский, К. Петров-Водкин, И. Машков, Н. Гончарова, Марк Шагал стали авторами полотен, получивших мировое признание. А началось это признание еще в десятые годы XX века, в эпоху рождения авангардной живописи новейшей истории.

После Октябрьской революции Россия получила возможность открыть всему миру новые горизонты в общественной жизни, в том числе и в искусстве. И поначалу были созданы условия, когда неизмеримо выросла ценность каждой одаренной личности, на первый план выдвинулись генераторы новых творческих идей.

Как трактует то время история искусств? 20 век, Россия, бурные двадцатые годы - это невиданно активная художественная жизнь многочисленных творческих объединений, среди которых выделяются:

УНОВИС - «Утвердители нового искусства» (Малевич, Шагал, Лисицкий, Лепорская, Стерлигов). Основанное на базе художественной школы Витебска, это объединение было апологетом художественного авангарда, предлагало искать для искусства новые темы и формы.

- «Четыре искусства» - течение в русле «Мира искусства» Основная цель - показать огромные выразительные возможности архитектуры, скульптуры, графики и живописи. Декларировалась необходимость высокого профессионализма и творческой свободы. Виднейшие представители: архитектор А. В. Щусев, график В. А. Фаворский, скульптор В. И. Мухина, живописцы К. С. Петров-Водкин, А. П. Остроумова-Лебедева и др.

- «ОСТ», «Общество художников-станковистов». Считало главным показать приметы наступления новой мирной жизни, строительство современной молодой страны средствами передовой экспрессивной, но простой и ясной стилистики. Лидеры: Д. Штернберг, А. Дейнека, Ю. Пименов, П. Вильямс.

- «Круг художников» (Ленинград). Следование официальному курсу, выработка «стиля эпохи». Активные члены группы: А. Самохвалов, А. Пахомов, В. Пакулин.

АХРР - «Ассоциация художников революционной России» - объединение, ставшее основой созданного впоследствии Союза Художников СССР, активный проводник направлений идеологического руководства художественным процессом, орудие партийной пропаганды, наследники передвижников. Во главе стояли И. И. Бродский, А. М. Герасимов, М. Б. Греков, Б. В. Иогансон.

Конструктивизм

В программах самых престижных учебных заведений, готовящих архитекторов, неизменно присутствует изучение темы "Русский конструктивизм - архитектурный авангард 20-х годов". Большое значение она имеет для понимания строительного искусства, очень актуальными для любого времени являются идеи, провозглашенные лидерами того направления. Сохранившиеся постройки Константина Мельникова (жилой дом архитектора в Кривоарбатском переулке, клуб Русакова на Стромынке, гараж на Новорязанской улице и др.), братьев Весниных, Моисея Гинзбурга (Дом Наркомфина на Новинском бульваре) и других звезд русского архитектурного дела - золотой фонд отечественного зодчества.

Функционализм, отказ от ненужного украшательства, эстетика конструкции здания, гармония создаваемой среды обитания - эти идеи стали основой решения новых задач, поставленных перед молодыми архитекторами, художниками и специалистами той области, которая стала называться промышленным дизайном. Им предстояло строить массовое жилище для новых городов, рабочие клубы для всестороннего развития личности, создавать объекты для труда и отдыха нового человека. Удивительные достижения авангарда двадцатых годов нельзя обойти, изучая искусство России Европы и Америки всего последующего времени во многом основана на них. Печально, что эти прогрессивные идеи оказались меньше всего востребованы на родине, и наибольшим достижением советской архитектуры многими считается «сталинский ампир».

Искусство эпохи тоталитаризма

В 1932 году вышло Постановление ЦК ВКП (б) о работе творческих объединений. Бурная эпоха разнообразных течений и направлений закончилась под действием набравшей мощь государственной машины, управляемой идеологическим аппаратом, в котором крепла единоличная власть. На долгие годы искусство России 20 века, как и многое в жизни страны, стало зависеть от мнения одного человека - Иосифа Сталина.

Творческие союзы стали средством подчинения художественной мысли единым идеологическим стандартам. Наступила эпоха социалистического Постепенно любые отступления от официального курса стали объявляться преступными, несогласные попадали под реальные репрессии. Обвинения в отходе от линии партии стали методом решения творческих дискуссий. Прогрессивность этого очень сомнительна. Как развивалось бы, например, театральное искусство России 20 века, если бы не пал жертвой репрессий великий реформатор сцены Всеволод Мейерхольд?

Природа художественного таланта сложна и необъяснима. Образы вождей воплощались с великим мастерством и искренним чувством. Никакие самые жестокие репрессии не могли помешать появлению истинно талантливых художников, для которых главным было самовыражение вне зависимости от идеологических рамок.

В архитектуре наступило время «сталинского ампира». Поиски авангардистов сменил возврат к проверенным канонам. Могущество коммунистической идеологии олицетворялось в эффектных образцах переработанного неоклассицизма - сталинских «высотках».

Искусство военного периода

В истории нашей страны есть время, ставшее величайшей трагедией и этапом невиданного духовного подъема. Искусство России 20-21 века получило одну из главных тем, позволявших выразить величие русского народного характера, глубину чувств, которые могут овладеть отдельным человеком и огромными массами во время исторических потрясений.

Великая Отечественная война с первых дней нашла выражение в зрительных образах удивительной силы. Плакат И. Тоидзе «Родина-мать зовет!» поднимал на защиту страны лучше всяких командиров, а «Оборона Севастополя» Дейнеки потрясает любого человека вне зависимости от идей, которые он разделяет. Так же впечатляет Седьмая симфония Дмитрия Шостаковича, а музыкальное искусство России 20 века не меньше других видов творчества отдало дань теме войны с фашизмом.

Оттепель

После Великой Победы следующим мощнейшим историческим фактором влияния на общественную жизнь в СССР стала смерть Сталина (март 1953) и XX съезд КПСС, поднявший вопрос о разоблачении культа личности. На какое-то время для художников, как и для всего общества, повеяло свободой творчества и новыми идеями. Поколение «шестидесятников» - явление очень специфическое, оно оставило о себе память как о коротком вдохе свежего воздуха, сделанном перед тем как погрузиться опять на десятилетия в болото размеренного, расписанного, регламентированного существования.

Первые опыты художественного авангарда «второй волны» - работы Э. Белютина, Ю. Соостера, В. Янкилевского, Б. Жутовского и др. - на выставке, приуроченной к 30-летию Московского отделения Союза Художников, были жестко осуждены лично новым лидером страны Н. Хрущёвым. Партия опять стала объяснять народу, какое искусство ему нужно, а художникам - как надо писать.

Архитектуре было предписано бороться с излишествами, что справедливо объяснялось экономическими трудностями послевоенного времени, наступало время массового домостроения, время «хрущевок», которые несколько сняли остроту жилищного вопроса, но изуродовали облик многих городов.

Искусство «развитого социализма»

Во многом искусство России второй половины 20 века во многом представляет собой историю противостояния художественной личности и господствующей идеологии. Но даже в атмосфере идейного регламентирования каждого кусочка духовного пространства многие художники находили способы немного видоизменять предписанный метод социалистического реализма.

Так, настоящим примером для молодых были мастера, сформировавшие свои убеждения еще в двадцатые годы: Н. Ромадин, М. Сарьян, А. Пластов и другие. Картина бывшего члена художественного объединения «ОСТ» Ю. Пименова «Свадьба на завтрашней улице», написанная в 1962 году, стала символом надежд общества на обновление.

Еще одним ярким явлением в советской живописи того времени стало формирование «сурового стиля». Таким термином обозначали творчество Г. Коржова, П. Оссовского, братьев Смолиных, П. Никонова и др. На их картинах, написанных в разных жанрах (бытовом, историческом), появился герой, который не нуждался в указаниях, занятый понятным и нужным делом. Он изображался без лишних деталей и колористических изысков, емко и выразительно.

Особое значение имеет творчество такого мастера, как Гражданское звучание его полотен содержит редкий для советского искусства общегуманистический, почти религиозный посыл, а живописная манера имеет корни времен итальянского Возрождения.

Нонконформизм

Официальное господство «соцреализма» заставляло неформальных художников искать свой путь к зрителю или прибегать к эмиграции. Уехали М. Шемякин, И. Кабаков, О. Рабин, Э. Неизвестный и многие другие. Это были деятели искусства 20 века России, которые являлись носителями духовных ценностей, рожденных авангардом начала века, и вернувшихся на родину после краха коммунистической идеологии.

А во времена её господства появилась внутренняя эмиграция, породившая популярный мотив сумасшедшего, вечно пьяного художника, обитателя психушек, гонимого властями и руководством творческих союзов, но высоко ценимого независимыми западными экспертами. Типичным носителем такого образа был А. Зверев - легендарная личность для Москвы эпохи развитого социализма.

Полистилистика и плюрализм

Освободившись от государственного диктата советского времени, изобразительное искусство 20 века в России вошло в общемировой процесс как его неразделимая часть, обладающая общими с ним свойствами и тенденциями. Многие формы творчества, привычные для Запада долгое время, были быстро освоены и отечественными художниками. Слова "перфоманс", "видеоинсталляция" и т. п. стали привычными и в нашей речи, а в ряду самых значительных современных мастеров, имеющих мировую славу, - художники диаметральных по направлениям взглядов: З. Церетели, Т. Назаренко, М. Кишев, А. Бурганов и многие другие.

Бурная, непредсказуемая новейшая история страны, занявшей шестую часть земной суши, смотрит в свое зеркало - искусство России 20 века - и отражается в нем тысячами незабываемых образов…

В 20 веке человечество пережило не­сколько глобальных кризисов, две ми­ровые войны, господство тоталитарных режимов в Германии, Италии, Испании и в СССР, а также множество социаль­ных революций. Революции произошли и в области науки и техники. Ритм жизни невообразимо ускорился.

Все это не могло не отразиться на культуре и искусстве, где возникло мно­жество новых школ и направлений. Эти школы и направления часто не признавали друг друга, боролись, возникали и гибли, но при этом у них была одна общая чер­та - все они отрицали художественные ценности прошлого, старую мораль и ус­тоявшиеся формы общественной жизни.

Новые течения в искусстве критики обозначили понятием модернизм, то есть нечто новое, резко отличающееся от все­го традиционного и привычного. Худож­ники-модернисты занимались поисками собственного неповторимого художест­венного языка, но при этом их внимание привлекали культуры стран Азии, Афри­ки и Америки, темы и формы народного творчества. Все это использовалось в ка­честве средств, с помощью которых мож­но понять и воссоздать новый, бесконеч­но изменившийся мир современности.

Испанская трагедия

Выдающийся художник 20 века Пабло Пикассо также прошел через увлечение кубизмом. Несмотря на то, что впос­ледствии его творчество стало гораздо более близ­ким реализму, принцип деформации пропорций гениально использован в его знаменитом полотне «Герника», посвященном трагедии испанского городка, разбомбленного фашистами в 1937 году.

Одно из новых направлений в живописи - футуризм - преклонялось перед возможностями науки и техники. Залог прогресса человечества футуристы видели в развитии машинной цивилизации.

В 20-30-е годы 20 века на смену модернизму пришел авангардизм. Авангардисты яростно обру­шивались на традиционные направления и стили, отрицали вечные ценности. Из рядов авангардис­тов вышло немало художников и теоретиков искус­ства, которые стали основателями целых направ­лений в современном изобразительном искусстве, дизайне, скульптуре, литературе и музыке.

На заре 20 века, начавшегося с грандиозной всемирной бойни - Первой мировой войны,- многим людям искусства мир представлялся жес­токим, абсурдным, полным бессмысленных конф­ликтов. Ощущения трагизма истории, одиночества и заброшенности человека нашли свое отражение в творчестве крупнейших живописцев этого вре­мени - Сальвадора Дали и Пабло Пикассо.

Художников-сюрреалистов интересовало все то, что выходит за рамки реальной жизни, обыденнос­ти: мечты, причуды воображения, сны и галлюци­нации. Они создавали небывалые образы и умели совершенно по-новому увидеть привычные вещи и человеческие отношения.

Испанский живо­писец, график и пи­сатель Сальвадор Дали (1904-1989) прославился как создатель самых не­вероятных образов. На его полотнах обычные предметы вытягиваются, из­гибаются, причуд­ливо деформиру­ются, превращаясь в нечто совершен­но иное.

К сути вещей

Выдающийся французский художник Поль Гоген (1848-1903) бежал от цивилизации на острова южной части Тихого океана, надеясь найти там первозданный покой и гармонию. Пользуясь упрощенными форма­ми и почти плоским изображением предметов, яркими красками и причудливой композицией, Гоген пытал­ся показать суть предметов, а не их видимую оболоч­ку. Такая творческая манера позднее получила название «примитивизм». К примитивистам относили художни­ков А. Руссо во Франции, У. Альфреда в Великобрита­нии, М. Ларионова и Н. Гончарову в России.

Квадрат и бесконечность

Последней ступенью разры­ва с действительностью стал супрематизм (от латинского supreme - «высший») русского художника Казимира Малевича (1878-1935). Малевич считал, что квадрат является формой, в высшей степени свободной от всякого содержания.

Наряду с модернизмом и авангардизмом продолжалось развитие реалистических направлений в искусстве. Творчество художников-реалистов опиралось на веру в силы и возможности человека, ими двигала надежда, что человек так или иначе су­меет справиться с хаосом и жестокостью и достигнет гармонии с миром. В годы после Второй мировой войны многие модер­нистские и авангардные течения в искусстве пережили кризис. Искусство стремилось увидеть мир после страшной катастрофы трезвым взглядом. В живописи этого периода появляется не­ореалистическое направление, подчеркивающее свою близость к традициям классического реалистического искусства.

Против насилия и зла

Реалистическое искусство 20 века нередко использовало достижения и приемы дру­гих, нереалистических художественных на­правлений. Так, выразительные средства экспрессионизма помогали немецкой ху­дожнице Кете Кольвиц (1867-1945) ост­ро и однозначно выразить свое отношение к угнетению, насилию, войне в графических сериях «Восстание ткачей» и «Крестьянс­кая война». Но это все осталось в прошлом. Современное искусство куда более интересное. С таким мнением согласятся и культурные деятели, которые работают над популяризацией своей отрасли. Мы живем в XXI веке, а потом должны придерживаться современных взглядов.

П ервые десятилетия еще остаются верны духу импрессионизма — светлого и восторженного стиля. Знаменитые картины Клода Моне «Мост Чаринг Кросс» и «Водяные лилии» наполнены прозрачностью, воздухом и загадкой. А работы русского художника Константина Коровина «Москворецкий мост», а также «Рыбы, вино и фрукты» пропитаны интеллигентной духовностью начала века. Однако на смену тонкому восприятию пришли новые течения модернизма.

Футуризм

Бунты и страдания простого народа, разлад между наукой и творчеством привели к рождению протестных и экспрессивных направлений, одним из которых стал футуризм. Течение предлагает разрушать культурные стереотипы и смотреть в будущее с оптимизмом. Д. Северини, Л. Руссоло, Д. Балла и К. Кара передавали ощущения человека, живущего в новых растущих городах. В России открывались первые выставки Н. Удальцовой, О. Розановой, К. Богуславской, художники предрекали переход от кубофутуризма к супрематизму. Новые стили возникали так же быстро, как политические движения в 20-м столетии.

Сюрреализм

Художники этого течения отрицали действительность, предлагали погрузиться в мир иллюзорного и подсознательного. Картины Сальвадора Дали «Постоянство памяти» и «Вечерний призрак» вывернули наизнанку человеческое подсознание. Творчество великого испанского живописца до сих пор одновременно ошарашивает и очаровывает души любителей искусства. Пабло Пикассо, автор знаменитых картин «Любительница абсента» и «Девочка на шаре», работал в неподражаемой смеси стилей на стыке постимпрессионизма, кубизма и сюрреализма.

Абстракционизм

В. Кандинский, П. Мондриан и К. Малевич стали основателями нового направления, отказавшегося от реального мира. Геометрия пришла на смену поэзии. Абсолютная красота линий и пространственных форм — главная идея течения. Квадраты и круги Малевича неожиданно сменялись «Красной конницей» — художник развивал супрематизм в своем творчестве.

Реди-мейд

Новый стиль, открытый французским художником Марселем Дюшаном, вывел простые предметы быта в пространство искусства. Неординарный взгляд на вещи, превративший их в предметы созерцания, стал настоящим переворотом. Скандальные картины «Колесо от велосипеда» и «Фонтан» заставляют человека искать в привычных предметах новые смыслы и ассоциации.

Европейская и русская живопись начала 20 века динамично переходила от направления к направлению. Множество течений рождало множество гениев. Пуризм, фовизм, экспрессионизм, неопластицизм и орфизм отражали мятущееся состояние эпохи, рваной и искалеченной войнами, неопределившейся со своим будущим.

Абстрактный экспрессионизм

На смену модернистским течениям во второй половине 20 столетия приходит постмодернизм, радикально пересмотревший позиции авангардных стилей. Россия, Европа, да и весь мир в пятидесятые послевоенные годы стал другим. Ранние работы Кандинского уже были заражены новым философским восприятием. «Сближение» и «Глубина» Поллока, «Женщины» Виллема де Кунинга — знаменитые примеры абстрактного экспрессионизма.

Примитивизм

«Наивное искусство» или «искусство детей» — так называют это направление в современных школах живописи , основанное талантливыми художниками, которые не имели специального образования. Истинные шедевры французов А. Руссо и К. Бомбуа вошли в мировую сокровищницу благодаря глубокой сакральности и каноничности.

Минимализм

Минимализму, который эволюционировал из супрематизма и абстракционизма, свойственны монохромность, простота форм и единообразие. Его называют «прохладным» или «серийным» искусством. Известные представители минимал-арта — К. Андре, Д.Флэвин, М. Бочнер.